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 Écoles d’Art préparées par l’Atelier de Sèvres |

Man Hastam (J’existe) de Tara Parsa & Yeah I’m still searchin’ de Meryll Hardt, en présence de l’auteur

Tara Parsa (1984, vit à Genève), a étudié à la HEAD Genève et reçu le Prix de postproduction – C-Side pour le meilleur film suisse de la section Premiers Pas au Festival Visions du Réel.

Tourné à l’Université d’Art de Téhéran, Man Hastam (J’existe) (2012, 23 min) rend compte de discussions sur l’identité, sur la liberté d’expression et sur le rôle de l’art dans une société iranienne où tout est contrôlé.

Comment chacun porte-t-il en lui les contraintes et les censures ? Ose-t-on parler du fait qu’on n’ose pas parler ? Quelle part de nous cache-t-on sous la pression sociale, qu’elle soit consciente ou non ? Les propos enregistrés des personnes rencontrées, dont on découvre parfois l’image, servent de fil conducteur à ce document où il est souvent question de dissimulation, de conditionnement, de tabou et d’autocensure.

Man Hastam (J’existe)a été produit par le département Cinéma du réel de la Haute Ecole d’Art et du Design.

I’m still searchin’ de Meryll Hardt

Meryll Hardt (1984, vit à Bruxelles) a étudié à l’erg. Le travail de Meryll Hardt, artiste pluridisciplinaire, part d’un désir de créer du lien. Elle agit bien souvent en terme d’économie, redécouvrant ce qui a résisté, ce qui s’est transformé, en quête de résonance et de continuité.

Meryll Hardt présentera son essai documentaire, Yeah I’m still searchin’ (2011, 40 min).

Prenant pour point de départ In search of the miraculous, dernier travail avorté de Bas Jan Ader, l’auteur écrit : « Pour mes recherches, je me suis interrogée sur la question de la continuité et la validité d’une continuité, tout en considérant le fait que l’unique documentaire existant à ce jour sur Bas Jan Ader a été réalisé à l’initiative de Mary Sue Ader, veuve et ancienne collaboratrice de celui-ci.

La première partie de In search of the miraculous comprenait deux séries de tirages photographiques. Des tirages tagués par l’artiste avec les paroles d’une chanson populaire, Searchin’ de The Coasters. Sur l’une de ces photos était écrit : Yeah I’ve been searchin’.

L’occasion pour moi de rencontrer son travail de manière positive donnant pour titre à mon travail, Yeah I’m still searchin’ ».

>>> lundi 4 juin -18h30

Galerie de l’erg
rue du Page 87,
1050 Brussels

La France a une très longue pratique du cinéma d’animation qu’elle a contribué à inventer, et notamment  par les créations d’Emile Reynaud (1892) et d’Emile Cohl (1908).  Depuis plus de 35 ans, GOBELINS, l’école de l’image est devenue le partenaire privilégié des créateurs et entreprises d’animation, même au-delà des frontières françaises. Ses formations préparent aux métiers du secteur, de la conception à la réalisation en passant par la production. Aujourd’hui, GOBELINS propose une formation en cinéma d’animation dans le cadre d’une école d’été internationale qui a lieu dans ses locaux parisiens. Le programme 2012 est consacré à l’animation de personnages. Forte de son expérience et de sa réputation mondiale, GOBELINS organise pour la sixième année consécutive une école d’été internationale à Paris pour faire découvrir à des étudiants et à des professionnels du monde entier le savoir-faire et surtout les spécificités de l’animation de personnages telle que l’école l’enseigne.

Le programme 2012 est construit autour de « master class » ainsi que de travaux pratiques.
Les participants auront du temps libre le dimanche 8 juillet 2012 pour une découverte culturelle de Paris.

Les conférences se dérouleront en anglais sans traduction ou en français avec traduction simultanée en anglais.

Dates et horaires

L’école d’été internationale se déroule du lundi 2 au vendredi 13 juillet 2012, de 10h à 17h (plus tôt certains jours, mais aussi plus tard, notamment pour les ateliers facultatifs de 8h30 à 10h et de 17h à 20h). Pour permettre aux participants de profiter des nombreuses expositions et manifestations culturelles parisiennes, aucune activité n’est programmée le dimanche (il y aura un atelier facultatif le samedi 7 juillet). L’hébergement est assuré du dimanche 1er juillet (soir) au dimanche 15 juillet (matin). Un dîner d’accueil a lieu le dimanche 1er juillet.

Etudiants et professionels internationaux (hors UE)

Il est conseillé aux étudiants et professionnels étrangers provenant de pays hors Union Européenne de s’informer rapidement des modalités et des délais d’obtention d’un visa d’étudiant dans leur pays d’origine pour un séjour en France pendant les deux semaines de l’école d’été. Pour les aider dans cette démarche, GOBELINS pourra leur délivrer soit une attestation d’admissibilité après examen du dossier d’inscription, soit une attestation d’inscription après confirmation d’admission et règlement de l’intégralité des frais de participation.

Restauration et hébergement

Les déjeuners en semaine sont pris à GOBELINS et sont inclus dans les frais de participation à l’école d’été. Les dîners et les petits déjeuners, ainsi que les déjeuners du week-end, sont libres et à la charge des participants. L’hébergement est sur le site de la Cité Internationale Universitaire de Paris en chambre individuelle équipée de sanitaires privatifs. Un restaurant sert des repas matin, midi et soir. Chaque bâtiment dispose d’un coin cuisine.  En plus d’une salle informatique équipée, un service WIFI est disponible dans les espaces communs du bâtiment principal où se trouve le restaurant.

Transport local

L’école d’été internationale se déroule dans les locaux de GOBELINS, l’école de l’image, situés 73 boulevard Saint-Marcel dans le 13ème  arrondissement de Paris, à proximité de la station « Les Gobelins », sur la ligne 7 du métro (environ 30 minutes en métro et bus depuis la Cité Universitaire). Chaque participant ayant opté pour la formule complète reçoit, le dimanche 1er juillet au soir, un « pass NAVIGO » et les billets lui permettant de circuler librement (métro et bus) dans Paris pendant les 2 semaines (du 5 juillet au 18 juillet) ainsi que 2 billets par jour pour la période du 1er au 15 juillet.

Informations complémentaires ici
summerschool@gobelins.fr
Tél. : +33 (0)1 40 79 93 10

Dans le cadre de la mise en valeur de son patrimoine, la Ville de Dijon a proposé à l’École Nationale Supérieure d’Art de Dijon de concevoir une exposition temporaire à l’Église Saint-Philibert, unique édifice roman de la ville réouvert en 2011. L’ENSA Dijon investit les lieux durant un mois avec une exposition orientée vers le design, intitulée De l’objet au territoire, qui présente les travaux des étudiants de l’école.

La démarche générale de l’ENSA Dijon Art & Design consiste à interroger non seulement la nature de l’option design, mais aussi le fonctionnement des deux options, art et design, dans leur symétrie. L’école a fermement inscrit son enseignement design autour des enjeux liés à l’espace : espace de vie (privée/publique), de mobilité, de médiation, de négociation…

Les enseignants, designers, architectes, scénographes, graphistes, plasticiens, amènent les étudiants à questionner cette notion, à expérimenter les différentes échelles, et à construire des propositions de l’objet à l’espace de la ville.

L’exposition offre un parcours composé de cinq thèmes orchestrés selon une gradation de l’espace privé à l’espace public, de l’espace intime à l’espace collectif, du plus domestique au plus urbain.

Informations pratiques

Horaires d’ouverture :
Ouvert du mardi au dimanche de 10h à 13h et de 14h à 19h

Contact presse :
Estelle Desreux, chargée de communication, estelle.desreux@ensa-dijon.fr / 03 80 30 23 80

Remerciements :
Exposition réalisée avec le soutien de la Ville de Dijon
Coordination par Hélène Robert, professeur en design d’espace et scénographie
Conception graphique des supports de communication : Céline Adam et Romain Thieulot, étudiants en 3e année Design

Exposition des étudiants de l’ENSA Dijon
Du 25 mai au 24 juin 2012
Vernissage le 25 mai à 11h30
Église Saint-Philibert, rue Michelet, Dijon

Texte de Frédéric Bouglé, commissaire de l’exposition
Commissaires associés : Roland Cognet, Jacques Malgorn et Joël Tardy
Textes cartels dans l’exposition : Claire Moulène

Exposition réalisée avec le concours de :
l’École supérieure d’art de Clermont Métropole
l’École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon

antoine ABEL sarah BAHR tom CASTINEL gaëlle CINTRÉ audrey
GALAIS félix LACHAIZE sarah LE TOUX thomas MERRET guy PRADEL
mickaël SALVI damien SAYER juanjuan ZHANG

Les enfants du sabbat, cycle d’expositions initié par le Creux de l’enfer en 2001, propose cette année douze jeunes artistes pour sa treizième édition, tous issus de l’École supérieure d’art de Clermont Métropole et de l’École nationale supérieure des beaux-arts de Lyon. Les trois institutions unissent leurs efforts afin de permettre à ces peintres, sculpteurs, photographes, performeurs ou vidéastes sélectionnés, de présenter leurs créations dans les meilleures conditions… A cette occasion le centre d’art publie un ouvrage dans sa collection « Mes pas à faire au Creux de l’enfer ».

L’Ensba Lyon renouvelle ce partenariat et présente le travail de ses jeunes diplômés, issus du Dnsep art juin 2011

Est-ce un défilé de mode pour costumes d’ouvriers ? La rangée de combinaisons colorées de Tom Castinel, accrochée en suspension sous la grande poulie du rez-de-chaussée, renvoie autant à la salle des pendus du Musée de la mine de Saint Étienne qu’à « Prothèses », l’installation de Fabrice Hyber présentée ici même il y a quelques années. Le style diversifié des poches cousues par l’artiste-même accuse une émancipation individuelle dans l’uniformité du travail alimentaire et du pain à gagner.

C’est l’histoire d’un mec qui veut se faire cuire un oeuf et qui va se faire flinguer. Avec cet intitulé à la Michel Audiard et son lino en damier, l’installation de Mickaël Salvi s’empare du pilier de la culture générale de l’art. Son espace quadrillé noir et blanc relève sur son échiquier les couleurs d’un luminophore d’écran, avec deux vitellus glacés, une porcelaine striée, des verres empilés, la décoration d’intérieur, le design, l’ornement héraldique médiéval et l’histoire de la peinture de Vermeer à Mondrian.

À l’étage, en haut de l’escalier, « Les Crampes 2011 », une vidéo submersible de Gaëlle Cintré, s’amuse autant du jeu d’un flirt qui fait flop que des jeux ensorcelants de la lumière sur l’eau. Sa caméra joue de ces moires chatoyantes, du bleu azuré d’une piscine et des corps dorés par un beau soleil d’été. Dans la fraîcheur d’une niche troglodytique aménagée, une seconde vidéo revient au sujet rapporté par un jeune homme drôle et désoeuvré, sketchs et saynètes à ne pas louper.

Les photographies de Damien Sayer reconduisent la démarche artistique photographique à la pratique vernaculaire du moyen adopté. Son installation témoigne d’un proche souffrant, images et portraits que l’artiste confronte à d’autres réalités du patient. Elle présente en vitrine ses rejets d’urine conditionnés à son état de santé égrotant, et dont les prélèvements (lat. urina d’après aurum « or ») varient du clair à l’ambré.

Sarah Bahr pose au sol un château de cartes illustrées, quelque peu démesurées, jeu de familles sur règle caché/montré et jeux d’échelles et de valeurs retournées. Retables miniaturisés aux volets clos ou semiouverts restent secret à la liturgie exposée, quand un patatoïde parlant se confie plus volontiers à l’auditoire capté, égrenant un récit de vie hachée.

Félix Lachaize intervenu sur la grande scène du rez-de-chaussée, est bien déterminé à revendiquer sa sculpture absente ! Et c’est par une expression corporelle, par des stimulations sensorielles, par la vue et par l’ouïe qu’il en relève l’enjeu, sculpture vivante qui refoule le sérieux. Sa performance « Copie claquettes » claque encore dans nos têtes.

le Creux de l’enfer
85 avenue Joseph Claussat
Vallée des usines
63300 Thiers

 Ouverture :
 Tous les jours, sauf les mardis,
 de 13h00 à 18h00,
 Entrée libre et gratuite.

SHOW 12
Défilé de La Cambre Mode(s)

Ouverture des portes à 20h
Défilé à 21h
Tickets : 070 25 20 20
www.sherpa.be
www.lacambremode.com

Avec le soutien de la Fédération Wallonie-Bruxelles (service des Arts plastiques), de Bruxelles-Export, Visitbrussels, Christian Dior cosmetics, La Libre Essentielle, Jean-Claude Biguine, Piper-Heidsieck et les Halles

Les 8 et 9 juin 2012
aux Halles de Schaerbeek
22A rue Royale Sainte Marie – 1030 Bruxelles

L’École nationale supérieure des beaux-arts présente dans les galeries d’exposition du quai Malaquais l’exposition annuelle des jeunes artistes ayant obtenu le diplôme national supérieur d’arts plastiques (Dnsap) avec les félicitations du jury.

En 2011, 27 artistes ont été félicités :
Dimitri Afanasenko, Félix Albert, Fanny Béguery, Lina Ben Rejeb, Agathe Benoit, Camille Blatrix, Noémie Boulon, Laure Bréaud, Suzie Cuvelier, Adrian Dan, Dorothée Davoise, Pierre Derrien, Arnaud Dezoteux, François Diridollou, David Douard, Elsa Fauconnet, Sullivan Goba-Blé, Marc Herblin, Guillaume Krattinger, Hugo Kriegel, Antoine Nessi, Chloé Quenum, Anafaia Supico, Pauline Tamisier, Alina Turco, Vlad Turco et Anne-Charlotte Yver.

Le commissariat de cette exposition est assuré par Chantal Pontbriand, critique d’art et commissaire d’expositions.
Le jury du diplôme était composé de Chantal Pontbriand, présidente, Renaud Auguste-Dormeuil (artiste), Dominique Gonzalez-Foerster (artiste), Florence Lazar (artiste), Guillaume Le Gall (maître de conférences en Histoire de l’art contemporain).

« Géographies nomades » regroupe une génération d’artistes dont le travail témoigne d’un esprit nomade. Celui-ci est étroitement relié aux notions de déambulation, de parcours et de territoire. « En visitant les expositions des diplômés 2011 des Beaux-arts de Paris, les dispositifs évoquant l’idée du nomadisme étaient récurrents », selon la commissaire. « Géographies nomades » cartographie un territoire de pensée et ne cherche pas à déterminer des contenus. Il prélève une circulation d’idées, de façons de faire, de processus et de mise en œuvre de façon matérielle de ces derniers. »

Le Code QR est devenu l’emblème de Géographies nomades, sur la proposition d’une des artistes de l’exposition, Agathe Benoît. Ce Code, aujourd’hui omniprésent dans l’espace urbain, est conçu pour orienter, informer et suggérer. Installé sur la couverture du catalogue, il renvoie aux Beaux-arts de Paris, mais permet d’appréhender cette institution en la situant dans un espace ouvert et élargi. Les Beaux-arts de Paris deviennent ici un point nodal situé sur le globe et ouvert sur le cosmos, c’est le terrain de jeu des artistes de demain.

Dans cet esprit d’ouverture, Chantal Pontbriand a sollicité dix critiques, qui ont été appelés à travailler avec l’ensemble des quatre-vingt-dix-neuf diplômés de 2011. Ces rencontres ont généré des textes qui se retrouvent à la fois dans le Catalogue des diplômés et dans celui de Géographies nomades.
Ces critiques sont : Léa Bismuth, Raphaël Brunel, Gallien Dejean, Damien Dellile, Theodora Domenech, Marie Frampier, Julie Jones, Hélène Meisel, Olivia Speer et Anne-Lou Vicente.

Le graphisme du Catalogue des Diplômés et celui de Géographies nomades ont été confiés à Agnès Dahan. Elle a également collaboré à la mise en place de la scénographie.

2 et 3 juin 2012 : ENSBA LIVE.
Christian Alandete, qui assiste la commissaire sur l’exposition, assure le commissariat de cet événement. Pendant quarante-huit heures, une programmation est proposée par les vingt-six artistes et collectif de l’exposition ou par les dix critiques y ayant collaboré : projections vidéos, conférences, discussions entre artistes et critiques, ateliers, jeux, excursions exploratoires dans la ville, musique et performances. D’autres invités se joindront à eux pour parcourir ces géographies nomades.
Ouverture du mardi au dimanche de 13h à 19h
Galeries d’exposition de l’Ecole nationale supérieure des beaux-arts
13, Quai Malaquais, 75006 Paris
Entrée libre

Un catalogue en 2 volumes, l’un pour les félicités, l’autre pour l’ensemble des diplômés, est édité pour l’occasion – Beaux arts de Paris les éditions

Enseignant aux Beaux-arts de Paris depuis 2009, Michel François investit le Cabinet des dessins Jean Bonna pour y dévoiler un pan inédit de sa production artistique.

Le cabinet des dessins Jean Bonna offre chaque année l’opportunité à un artiste contemporain, professeur à l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-arts, de présenter ses oeuvres. Après Jean Michel Alberola, Joël Kermarrec ou Annette Messager, c’est au tour de l’artiste belge Michel François d’y dévoiler une facette inédite de sa production graphique.

Artiste inclassable, Michel François associe sculptures, installations, vidéos, photographies, afin d’explorer les thèmes du corps, du voyage, de l’habitat. A travers sa production multidisciplinaire il développe un système de recyclage qui questionne la valeur et la pérennité de l’œuvre, donnant à chacune de ses interventions artistiques un caractère rétrospectif à sa production. L’intégralité de son œuvre est empreinte d’une grâce précaire et d’une élégance triviale, un sentiment qu’il a su établir grâce à un vocabulaire de marques et de signes qui lui sont propres.

Depuis une trentaine d’années, Michel François construit une œuvre aventureuse et polymorphe qui associe photos, posters à disposition, objets, sculptures, installations…et dessins. Des séries telles que « Le Monde et les bras » ou « La Plante en nous » témoignent d’une façon de se saisir des choses et de situer l’infra-ordinaire et le magique à un niveau de très grande proximité. Invité à concevoir une exposition de dessin(s), il n’y a rien d’étonnant à ce qu’il choisisse d’inclure dans sa réponse une photographie, une installation ou une sculpture à côté d’œuvres sur papier. Ce n’est pas coquetterie ou refus de se plier aux règles, mais plutôt un désir de considérer dans son travail la part du dessin, en même temps qu’une véritable impossibilité d’extraire de celui-ci une catégorie de pièces au nom de leur appartenance à un médium ou à une technique. D’un gribouillis réalisé dans l’espace pour une tentative de sculpture, jusqu’à une tête de mort passée au noir et offerte au crayonnage des visiteurs, en passant par la représentation d’un chewing-gum mâchouillé, « Le Trait commun » rassemble des pratiques du dessin qui font le quotidien d’un travail artistique et définissent un plan d’échanges et les conditions d’une communauté du trait. Patrick Javault

Avec près de 20 000 dessins, le cabinet des dessins Jean Bonna possède, après le musée du Louvre, la collection la plus prestigieuse tant d’un point de vue quantitatif que qualitatif et a su conquérir un public diversifié.
Après avoir accueilli l’exposition Rembrandt, le cabinet Jean Bonna dédie son volet contemporain à la présentation des oeuvres de Michel François, avant de clore l’année sur une exposition consacrée à Jean-Baptiste Carpeaux.
L’Ecole nationale supérieure des Beaux arts accueillera dans ses galeries du quai Malaquais l’exposition de rentrée consacré aux dessins d’Albrecht Dürer, sous le commissariat d’Emmanuelle Brugerolles.

Vernissage le 21 mai 2012 à partir de 18h00

Informations pratiques
Cabinet des dessins Jean Bonna / 14, rue Bonaparte 75006 Paris
Accès Palais des Etudes, Cour Vitrée, entrée sur la gauche.
Horaires : du Lundi au Vendredi de 13h à 18h / Entrée : 3 euros / TR 2 euros.

DOMESTICating se concentre sur différents processus narratifs relatant des histoires individuelles et sociales.

L’exposition débute avec quatre œuvres de Martha Rosler issues de la série House Beautiful: Bringing the war home (1967-1972), dans lesquelles l’artiste fait se rejoindre deux pans de la réalité américaines délibérément séparés: la guerre du Vietnam et les fascinants intérieurs américains. Les collages de Martha Rosler sont des témoignages historiques conservant encore toute leur force sans qu’aucune traduction ne soit aujourd’hui nécessaire.

D’autre part, la conclusion du Manifesto of a Futurist Woman, écrit par Valentine Saint-Point en 1912 et codé dans un système de communication obsolète (le Sémaphore) par Anetta Mona Chisa et Lucia Tkacova, s’adresse au public à travers une langue cryptique. De manière similaire, How to Make a Revolution apparaît comme un mode d’emploi où le mot « révolution » perd sa connotation idéologique et devient un ingrédient pour l’accession au succès au sein du système artistique.

La vidéo Tomorrow Everything Will Be Alright (2010) d’Akram Zaatari est une iconique histoire d’amour, de perte et de convoitise se révélant à travers un intense échange d’idées entre deux personnes. L’usage troublant de communication, d’enregistrement et d’écriture induit la fluctuation du film entre un rêve, un scénario et un échange amoureux que chacun désire.

Martha Rosler (New York, USA, 1943) est une artiste activiste américaine, pionnière de l’art vidéo et politique. Son travail, usant d’une variété de médiums, se concentre sur la vie quotidienne, la vie domestique des femmes, les média et la guerre.

Anetta Mona Chisa (Nadlac, Romania, 1975) & Lucia Tkacova (Banska Stiavnica, Slovakia, in 1977) collaborent depuis 2000. Leur travail, basé sur leurs expériences personnelles, utilise diverses pratiques pour démanteler et transformer les axiomes traditionnels de la société.

Akram Zaatari (Saïda, Liban, 1966) a étudié l’architecture à l’université américaine de Beyrouth et les média à la New School de New York.  Il a travaillé à la Futur Television de 1995 à 1997 et est le fondateur de l’Arab Image Fondation. Il vit et travaille en tant que cinéaste indépendant à Beyrouth.

Francesca Chiacchio
Commissaire en résidence à la galerie de l’erg

Ecole de Recherche Graphique
87, rue du Page
1050 Bruxelles (B)